Классика в переименованном городе

Классика в переименованном городе

 

Вы когда-нибудь чувствовали себя героем комедии Грибоедова? Я ощутил себя таковым 19 мая сего года, ибо этот день начался для меня с хрестоматийного грибоедовского конфуза: «Шел в комнату — попал в другую». Утром 19 мая я шагнул из вагона поезда на перрон вокзала давно знакомого и горячо любимого мною украинского города Днепродзержинск — а спустя несколько минут узнал, что такого города больше в природе не существует. Именно в это утро государственным решением данный город был официально переименован в Каменское — так изначально называлось село, на месте которого в итоге вырос современный Днепродзержинск. Впрочем, комментировать данное событие в аспекте топонимики и политологии не в моей компетенции. А в аспекте филологии коротко замечу: по моему скромному мнению, инициаторам тотальных переименований всего и вся на сегодняшней Украине горе не грозит. В грибоедовском смысле — уж точно.

Впрочем, чего это я все о Грибоедове да о Грибоедове? На первый взгляд, он тут совершенно не при чем. А кто при чем, спросите вы? Отвечаю: очень даже причем тут Иван Франко, Леся Украинка, Василь Стефаник, Иван Тургенев, Иван Бунин, Вильям Шекспир, Оскар Уайльд, Генрик Ибсен. Спектакли по произведениям этих великих авторов были представлены в программе юбилейного, Х Театрального фестиваля «Классика сегодня», который проходил в вышеупомянутом скоропостижно переименованном городе.

Но вы, дорогие читатели, уж позвольте мне в рамках этого материала называть дорогой моему сердцу, славный и гостеприимный украинский город-труженик по старинке. Тем более что все документы фестиваля и полиграфическая продукция — афиши, буклеты, программки — готовились заранее, были выпущены, естественно, с названием Днепродзержинск — и таковыми останутся в архивах. Так пусть и в данном фестивальном обзоре город носит привычное всем нам название — хотя бы во избежание путаницы для потомков.

В первый день фестиваля театральный Днепродзержинск принимал самых долгожданных, почетных и именитых столичных гостей: Национальный академический театр русской драмы им. Леси Украинки (г. Киев, Украина) привез на фестиваль спектакль «Нахлебник» по мотивам одноименной комедии И.С. Тургенева. Формулировка «по мотивам» в данном случае требует дополнительного пояснения: постановщик спектакля, худрук театра, народный артист Украины Михаил Резникович, готовя текстовую основу для своего спектакля, фундаментально поработал с тургеневским литературным наследием. Режиссер целенаправленно отыскивал в зрелых произведениях великого русского писателя сюжетные переклички, детали, монологи и реплики, созвучные теме его относительно раннего «Нахлебника» (эпиграфом к спектаклю в записи звучит голос самого постановщика, напоминающий, что данная комедия была написана Тургеневым, когда ему не исполнилось и тридцати лет). В программке указано, что работу по редактуре сценического текста режиссеру помогла проделать Татьяна Моцарь — считаю невозможным не отметить здесь ее труд, имеющий огромное значение для концепции спектакля.

Кроме того, важнейшим аспектом режиссерского исследования Резниковича стал поиск связующих нитей драматургической конструкции «Нахлебника» с мыслями, идеями и образами других гениев русской драматургии — от Пушкина, Гоголя и Островского до Достоевского, Чехова и Булгакова. Но первым именем в этом списке сам Резникович поставил автора «Горя от ума». «Вслед за А. Грибоедовым И. Тургенев отлично понимал, что жизнь движется пошлостью, и в «Нахлебнике» в полную силу выразил это наблюдение… Крик боли Тургенева в «Нахлебнике» — «Так жить нельзя» — столь же ощутим, как и двадцатью годами ранее крик Грибоедова в «Горе от ума», — пишет режиссер в программке спектакля.

Несомненно, «Нахлебник», премьера которого состоялась в 2013 году, — один из самых важнейших, профессионально выверенных и эмоционально выстраданных спектаклей на данном этапе творчества Михаила Резниковича. Из записей, сделанных режиссером в процессе его создания, составлена и издана целая книга. Текст афиши и программки спектакля предваряет фраза: «Светлой памяти великого российского режиссера Георгия Товстоногова» — это посвящение выдающегося киевского мастера своему великому ленинградскому учителю, которое ко многому обязывает.

И это обязательство выполняется полной мерой, в чем с восторгом убедились днепродзержинцы и гости фестиваля. Формат фестивального обозрения не позволяет подробно говорить обо всех составляющих успеха этого спектакля. Поэтому да простят меня автор сценографии и костюмов, художник Мария Левитская, композитор Александр Шимко, звукорежиссер Алла Муравская, режиссер Леонид Остропольский — но в их адрес сегодня я ограничусь всего одним словом — но большими буквами и с тремя восклицательными знаками: «БРАВО!!!». А вот не сказать хотя бы несколько слов о каждой актерской работе этого блистательного спектакля просто не могу.

Начну, пожалуй, с актера, чье появление на днепродзержинской сцене стало для многих простых зрителей очень приятным сюрпризом: вместо заявленного в фестивальном буклете Александра Хорошко, в роли помещика Тропачева на сцену вышел Виктор Сарайкин, имеющий всенародную популярность благодаря многочисленным работам в кино и на телевидении. Впрочем, уже через несколько секунд зрители забыли о шлейфе его кино-сериальных ролей. Сарайкин создает в «Нахлебнике» блистательный, объемный и многослойный образ, пробуждающий в памяти черты различных персонажей — от гоголевских Ноздрева и Кочкарева до булгаковского Коровьева. Последнюю инфернальную ассоциацию весьма и весьма помогает воплотить персонаж, составляющий основную сценическую пару с Тропачевым-Сарайкиным — помещик Карпачов. Эту немногословную роль замечательно играет Виктор Кошель, сначала заставляющий вспомнить эксцентричных гротескных персонажей классических русских водевилей, а затем — кота Бегемота. Может показаться, что я слишком увлекаюсь сравнениями с любимым Булгаковым — но защитой мне кульминационная сцена первого акта (здесь деление по тургеневскому первоисточнику — спектакль идет без антракта): соседи-помещики сперва как бы безобидной шутки ради стараются напоить допьяна добросердечного главного героя пьесы Кузовкина. Но вскоре происходящее на сцене бытовое застолье явственно превращается в зловещий праздник воинствующей пошлости и торжествующего порока — эдакий небольшой, облегченный, дачный бал Сатаны. На статус дачного Воланда, правда, никто из героев не претендует, — но двоюродные сельские родственники демонов-убийц Азазелло и Абадонны, до поры до времени умело прикидывающиеся безобидными Добчинским и Бобчинским, в спектакле присутствуют явственно. Эту яркую пластичную пару в исполнении Олега Роенко и Виктора Семирозуменко режиссер создал на основе одного персонажа, разделив реплики и функции дворецкого Трембитского на двух человек.

Изящный эмоциональный рисунок роли коллежского советника Елецкого (Олег Замятин) неожиданно пробуждает в памяти такие, казалось бы, ничуть не схожие образы, как грибоедовский Фамусов, гоголевский Хлестаков и чеховский Лопахин. Первый визит супруга молодой помещицы Елецкой в ее родовое гнездо имеет двоякую цель: с одной стороны — романтическое свадебное путешествие любящей пары, с другой — подробная хозяйственная ревизия взятого за супругой приданого. Последнее наглядно проявляется в сценах с управителем имения Егором (небольшая, но мастерская роль в исполнении Василия Юрченко) и кастеляншей Прасковьей (точно сыгранный эпизод в исполнении Любови Солодовой). Однако не только управитель и слуги, но и соседи-помещики явно трепещут перед этим новым «ревизором», «важным чиновником из Петербурга» (о котором, по сути, ничего не знают), лебезя, заискивая и сходу, после нескольких минут знакомства, проча ему должность предводителя уездного дворянства — гоголевская аллюзия здесь налицо. Но предшествующая этому завязка сюжета, сцена возвращения Ольги Петровны Елецкой с супругом в поместье смотрится и вовсе как ранний черновой набросок чеховского «Вишневого сада». И в этом контексте умный, мужественный, подчеркнуто хозяйственный и цепкий, но при этом искренне любящий свою благородную избранницу Павел Николаевич Елецкий выглядит своеобразной предтечей Ермолая Лопахина. Тем более, режиссер в нескольких моментах спектакля наводит на мысль, что в вопросе о благородстве крови самого Елецкого тоже есть какая-то гнетущая его совесть тайна. Наиболее ярко это проявляется в центральной сцене спектакля — исповеди нахлебника Кузовкина перед Ольгой Петровной, когда несчастный приживал открывает блистательной красавице-помещице тайну ее истинного происхождения: Елецкий на протяжении всей этой сцены мечется на заднем плане, как растревоженный зверь в клетке. Похоже, что рассказываемая Кузовкиным горестная история задевает струны его души некой потаенной созвучностью с его собственной судьбой.

Диапазон интертекстуальных ассоциаций, которые рождает центральный персонаж спектакля — Василий Семеныч Кузовкин (на фестивале в этой роли перед публикой предстал удивительный Виктор Алдошин) поистине космический — от его прямого, отдаленного всего на несколько десятилетий литературного потомка — чеховского Телегина-Вафли до отстоящего на несколько веков вглубь шекспировского Короля Лира. Сцена с надеванием на Кузовкина бумажного колпака в самой пьесе Тургенева — прямая, хотя и несомненно пародийная отсылка к знаменитому диалогу Лира и Шута. Но Резникович в своей постановке лишает эту сцену даже намека на пародийность — образ Кузовкина здесь приобретает истинную трагичность, сходство и родственность несчастного тургеневского приживала с несчастным шекспировским королем налицо. Из приведенной чуть выше цитаты режиссера ясно, что еще одним, уже более близким, хоть и совсем не схожим внешне драматургическим предшественником Кузовкина может рассматриваться и Чацкий — с той, однако, существенной поправкой, что горе этого тургеневского героя — не от ума, а от сердца.

Для играющей Ольгу Петровну Елецкую юной очаровательной Юлии Смушковой показ «Нахлебника» на «Классике сегодня» стал удачной премьерой — она сыграла эту роль первый раз и решением жюри была заслуженно премирована в номинации «Лучшая молодая актриса фестиваля». И, конечно же, это была не единственная награда спектаклю.

В номинации «Лучшая мужская роль второго плана» единогласным и безоговорочным решением жюри был награжден Павел Кильницкий, играющий, или, правильней будет сказать, проживающий живым сердцем немногословную, но предельно сущностную для данного режиссерского замысла роль друга главного героя, бедного помещика Иванова, любителя игры в шашки. Говоря языком этой игры, в изначальной расстановке персонажей Иванов выглядит очень скромной пешкой — но внимательное наблюдение за ним рождает предчувствие — эта пешка рано или поздно выйдет в дамки. Да и в плане родства с Чацким, адекватно оценивающий всю пошлость и порочность окружающей действительности Иванов, пожалуй, еще ближе к грибоедовскому герою, нежели его друг Кузовкин.

В аналогичной женской номинации лучшей так же единодушно была признана Анна Гринчак, играющая Соседку в визуализированных сценах воспоминаний Кузовкина. Время сценической активности этого персонажа — считанные минуты, точнее, даже — секунды. Но и за этот предельно короткий срок актриса создает надолго запоминающийся, психологически убедительный образ роковой красавицы-разлучницы, в корне изменившей жизнь целой семьи и приведшей ее к трагической развязке. Несомненно, главным подспорьем актрисы в этой творческой победе является безупречно мастерская игра ее старших партнеров — Юрия Гребельника (Отец) и Таисии Бойко (Мать). Этот маленький актерский «ансамбль в ансамбле» органично дополняет молодой актер Андрей Пономаренко (Парень).

И, наконец, Михаил Юрьевич Резникович был заочно награжден в номинации «Лучшая режиссерская работа».

Второй день на основной сцене фестиваля был посвящен классике детской литературы и дал повод для весьма бурной взрослой критической полемики: Ровенский областной академический украинский музыкально-драматический театр (г. Ровно, Украина) представил фестивальной публике украиноязычную сценическую версию знаменитой детской повести американки Элеонор Портер «Поллианна». Инсценировку и постановку осуществил главный режиссер театра, народный артист Украины Владимир Петрив. Этот спектакль получил приз фестиваля за самую оригинальную сценографию (художник-постановщик Алла Локтионова) — в этом вопросе жюри фестиваля проявило полное единодушие. А вот по поводу актерского ансамбля «Поллианны» на открытом обсуждении спектакля между членами жюри возникли принципиальные разногласия. Авторитетный львовский театральный критик Мирослава Оверчук и председатель жюри, кандидат искусствоведения Вероника Ярмолинская сошлись во мнении, что режиссерская тактика в этом спектакле является запрещенным приемом: роли главной героини Поллианны и ее приятеля Джимми играют талантливые дети — Оля Боровец и Юлиан Петрив, роли взрослых персонажей — профессиональные актеры театра. Уважаемые критики настаивали на том, что подобное партнерство недопустимо в театре ни с профессионально-этической, ни с педагогической точки зрения, подкрепляя свою позицию аргументацией принципиального различия между театром и кино и примерами устоявшейся традиции театрального исполнения детских ролей половозрелыми актрисами амплуа травести. Противоположную точку зрения высказал их коллега из Одессы Юрий Ющенко: по его мнению, современный театр имеет полное право на подобное сочетание, и если режиссеру удалось добиться органичного взаимодействия ребенка и взрослого на сцене — цель достигнута и средства оправданы. А в плане педагогики участие талантливых детей в профессиональном взрослом спектакле пойдет им только на пользу. В итоге каждый критик остался при своем мнении — а благодарные днепродзержинские зрители остались под приятным впечатлением от убедительной игры и самобытного актерского обаяния ведущих мастеров ровенской труппы Аллы Луценко (тетушка Полли), Виктора Янчука (доктор Чилтон), Олега Пшина (мистер Пендлтон) и других участников спектакля. И, конечно, от трогательной и искренней игры юных актеров.

Третий фестивальный день обошелся не только без бурных критических дискуссий в кулуарах, но даже без словесных диалогов на сцене: Криворожский академический театр музыкально-пластических искусств «Академия движения» (г. Кривой Рог, Украина) показал пластическую драму «Пер Гюнт» по мотивам одноименной драмы Генрика Ибсена. В этом спектакле не звучит не единого слова: сюжет знаменитого произведения передан средствами современной хореографии под музыку А. Шнитке, Э. Грига и других композиторов разных эпох. Создатели этого спектакля — театральная семья в прямом смысле этого слова: основатель театра, главный режиссер, постановщик спектакля и автор сценографии — Александр Бельский, директор — его супруга Антонина Бельская, режиссер, ведущий актер, исполнитель роли Пера Гюнта — их сын Сергей Бельский. Но ясно, что притягательная аура этого самобытного театрального коллектива рождает еще и многочисленные связи, не подкрепленные кровным родством. Не просто теплая, а восторженно-горячая реакция днепродзержинской публики на происходящее в этот вечер на сцене доказывает, что у театра семьи Бельских в днепродзержинском зале было много поистине родственных душ, восхищающихся искусством пластики и жеста в исполнении криворожских лицедеев. Спектакль получился ярким, красочным и завораживающим. В актерском составе наиболее ярко выделялись Юлия Пахаян (Сольвейг), Ирина Кононова (мать Гюнта), Павел Михайлюк (Король троллей), Альбина Лямец (Зелена), Виталий Демчук (Мас Мон и Сатана), Наталья Корчак (эта актриса исполнила сразу несколько ролей) и, прежде всего, сам Гюнт — Сергей Бельский. Криворожцы продемонстрировали впечатляющий уровень пластического и танцевального мастерства. Не являясь глубоким специалистом в области данного театрального направления, сошлюсь на мнение присутствовавшего на фестивале истинного профессионала — петербургского педагога по сцендвижению, ученицы легендарного И. Э. Коха Нелли Васильевны Курбаевой, признавшей данную интерпретацию ибсеновского сюжета лучшей работой фестиваля. Однако жюри решило не оценивать эту работу по причине выпадения ее из общего формата соревнующихся спектаклей. Что же, своя логика в этом есть. Но, по моему мнению, спектакль «Академии движения» заслуживал, как минимум, поощрительного приза за развитие традиций пластического искусства.

Четвертый день был самым ответственным и волнующим для хозяев фестиваля — Днепродзержинского академического музыкально-драматического театра им. Леси Украинки (г. Днепродзержинск, Украина): именно в этот день они выставили на суд публики и жюри свою премьерную постановку — шекспировского «Гамлета». В данном случае я применяю прилагательное «шекспировский» не в значении «чей» (автора все знают), а в значении «какой». Потому что, в принципе, одного этого слова достаточно для полной всеобъемлющей характеристики режиссерской работы худрука театра, заслуженного деятеля искусств Украины Сергея Чулкова. Опытный мастер, хранитель традиций товстоноговской школы, Сергей Анатольевич Чулков сделал то, на что не могут решиться сотни современных режиссеров-интерпретаторов истории о принце Датском — поставил свой спектакль традиционно — в самом лучшем значении этого слова. В его «Гамлете» нет компьютерных технологий и эпатажных эффектов, нет осовремененных образов и шокирующих натуралистичных сцен. Это традиционный, по-настоящему шекспировский спектакль. Режиссер очень деликатно обошелся с классическим текстом пьесы (перевод Бориса Пастернака), позволив себе лишь несколько вольностей, а именно — купирование роли Фортинбраса, изъятие из сюжета сцены с могильщиками и перестановку знаменитого монолога «Быть или не быть» в предфинальную часть спектакля. Последний момент для режиссера принципиален: преждевременно состарившийся, добела поседевший от всего пережитого Гамлет произносит главные слова о жизни и смерти непосредственно перед своим последним поединком, заранее зная его трагический исход. Все эти изменения помогают взглянуть на сюжет под новым углом, дополнительно подчеркнуть мотивацию поступков Гамлета. Так, например, отсутствие кладбищенской сцены и, соответственно, монолога о бедном Йорике подчеркивает то, что не шут, и никто другой, а исключительно родной отец-король был для маленького Гамлета единственным и неповторимым мужским авторитетом — и становится понятней исступленное желание принца мстить за его гибель.

Днепродзержинский «Гамлет» очень красив визуально. Впечатляющее объемное пространство: сцена театра используется на всю глубину, мизансцены выстраиваются на нескольких уровнях высоты — этому способствует наличие статичного переходного мостика вдоль задней стены и подвижного, постоянно меняющего положение длинного прямоугольного станка-помоста на планшете сцены. Игровой периметр обрамлен серебристо-серыми ставками, надолго врезается в память величественный склеп-памятник у левого бокового портала. Под стать декорациям и костюмы в стилистике абстрактно-романтического средневековья — все персонажи словно сошли с иллюстраций добротного старинного издания шекспировских пьес (единственный привет из современности — незамаскированные застежки-молнии впечатления не разрушают). Работа художника-постановщика Ирины Кохан отмечена специальным призом жюри с формулировкой «За глубокое образное раскрытие драматургического конфликта средствами сценографии». С полной выгодой использовать столь интересное сценическое пространство актерскому составу спектакля помогли балетмейстер Наталья Клишина и постановщик пластики и фехтования заслуженный артист Украины Олег Роенко. Результат работы последнего — неимоверно красивый, динамичный, четко продуманный и безукоризненно отточенный в каждом движении поединок Гамлета и Лаэрта (артист Евгений Конорев) отмечен специальной премией жюри «За возрождение традиций искусства сценического фехтования».

В более традиционных номинациях единодушным решением жюри отмечены несколько исполнителей спектакля: Гертруда — величественная Ирина Чваркова премирована за лучшую женскую роль, Офелия — очаровательная Вероника Полевая разделила славу лучшей молодой актрисы фестиваля с Юлией Смушковой (Ольгой из «Нахлебника»). Лучшим молодым актером фестиваля заслуженно стал недавний новобранец днепродзержинской труппы Максим Монастырский — его Горацио получился одним из самых живых и обаятельных образов этой постановки.

Единственным моментом продолжительного раздумья и дискуссии жюри стала номинация «Лучшая мужская роль». С одной стороны, очень хотелось отметить этим призом работу Геннадия Василенко в роли Гамлета. С другой — уж очень хорош был в роли Клавдия заслуженный артист Украины Олег Волощенко, к тому же жюри приятно удивил его несомненный творческий рост и расширение актерского диапазона в сравнении с предыдущим фестивалем. Напомню, что три года назад Олег Волощенко был признан лучшим актером «Классики сегодня» за блистательное исполнение роли Тартюфа. Король Клавдий — новая убедительная творческая победа актера. Актер очень тонко чувствует жанровую природу драматургического материала, его трагический лицемер Клавдий ни в одной черте не схож с комическим лицемером Тартюфом. В итоге жюри приняло соломоново решение, отметив Клавдия-Волощенко специальным дипломом «За яркое личностное прочтение образа». А диплом «Лучшая мужская роль» достался Гамлету — Геннадию Василенко. Конечно, в какой-то степени это награда на вырост — не все сцены и монологи удались молодому исполнителю одинаково хорошо, были спорные моменты, данную актерскую работу пока нельзя назвать идеальной (впрочем, а бывают ли вообще идеальные исполнители этой сложнейшей роли?). Однако с учетом того, что на фестивальном показе «Гамлет» игрался всего во второй раз — верится, что через несколько исполнений актер выйдет, что называется, на полную проектную мощность.

Из других представителей актерского состава этого спектакля, не отмеченных в этот раз наградами, считаю невозможным не упомянуть Анатолия Вертия, играющего Призрака отца Гамлета. В этом образе актер демонстрирует не только данную ему от природы благородную внешность и величественную осанку. Образ наполнен внутренним напряжением, в этом спектакле Гамлет-старший не только и не столько несчастная жертва предательства, — в первую очередь он король-воин, решительный и безжалостный мститель, добивающийся своей цели страшной ценой жизней многих, в том числе самых дорогих ему людей и не дающий родному сыну право иного выбора, нежели кровная месть. Обращает на себя внимание и живая игра молодых актеров Богдана Диденко и Дмитрия Сороколата (Розенкранц и Гильдерстерн).

«Гамлет» был заслуженно признан лучшим спектаклем фестиваля — и в этом решении жюри не было ни капли комплиментарности к хозяевам «Классики сегодня». Несомненный успех театра в этом творческом соревновании — полностью объективный факт.

Увы, но единственный «ближне-зарубежный» участник фестиваля, давний знакомец днепродзержинских театралов — Могилевский областной театр драмы и комедии имени В.И. Дудина-Марцинкевича из белорусского города Бобруйск, являющегося побратимом Днепродзержинска, на этот раз оказался не на высоте. Спектакль «Чей ребенок в саквояже?» по классической английской комедии Оскара Уайльда «Как важно быть серьезным» в постановке Сергея Ковальчика стал самым слабым звеном фестивальной программы. Для постоянных гостей фестиваля факт был особенно обидным — ведь этот театр искренне любим в Днепродзержинске, на предыдущую «Классику сегодня» в 2013 году бобруйцы привозили весьма качественный и талантливо сыгранный спектакль «Лес» по А.Н. Островскому, отмеченный тогда призами за лучшую женскую роль и лучшую мужскую роль второго плана. Обладатели этих призов — самобытная характерная актриса Алла Грахова и совершенно замечательный актер старшего поколения Александр Парфенович были заняты и в постановке по Уайльду. Но, увы, в этот раз им, как и всем другим, безусловно, талантливым актерам бобруйской труппы помешало блеснуть в полной мере качество режиссуры. Постановщик почти полностью игнорировал обстоятельства времени и места действия пьесы — вопрос о соблюдениях правил этикета в английском обществе второй половины XIX столетия в спектакле не стоит, персонажи держатся на сцене как бог на душу положит и ведут себя, как заблагорассудится режиссеру. Странно простроены взаимоотношения персонажей. Странное впечатление производят костюмы художника Аллы Сорокиной (она же автор сценографии, но давать оценку этому элементу здесь неправомочно, так как по экономическим причинам театр не смог привезти оригинальное оформление спектакля и работал на подборе декораций). Попытка соблюсти в одежде персонажей некую историческую достоверность присутствует — но активное использование тканей ядовито-ярких цветов, особенно, в женских нарядах превышает все мыслимые пределы и нормы приличия. При таких условиях говорить о качестве актерских работ сложно. Но, повторюсь, в Бобруйске действительно талантливая театральная труппа — и даже в этих условиях отдельные актерские проявления радовали глаз. Кроме вышеупомянутых Аллы Граховой (леди Брэкнелл) и Александра Парфеновича (лакей Лейн в его исполнении, пожалуй, единственная работа в этом спектакле, вовсе не заслуживающая критики), упомяну также яркую комедийную актрису Галину Агейкину (мисс Призм), двух весьма органичных молодых героинь Ольгу Гурину (мисс Ферфакс) и Марию Агейкину (мисс Кардью). Старается держаться достойно опытный актер Анатолий Дворянников (доктор богословия Чезюбл), богатый потенциал чувствуется и в молодых актерах Павле Микулике (мистер Уординг), Владиславе Санотенко (мистер Монкриф) — но стиль данной постановки работает против них. Поэтому искренне хочется пожелать бобруйской труппе новых встреч с хорошими режиссерами и новых приездов на фестиваль с достойными спектаклями.

Завершал конкурсную программу основной сцены фестиваля спектакль Киевского академического Молодого театра «Жара» по мотивам произведений И.А. Бунина в постановке заслуженного деятеля искусств Украины Андрея Билоуса. В собственной инсценировке режиссер объединил повести «Митина любовь» и «Натали», сделав их героев — Митю (Олег Коркушко) и Виталия Мещерского (Олег Москаленко) друзьями, а местом действия, общим для обоих сюжетов — деревню — «прелестный уголок» с уютной беседкой-сеновалом (сценография и костюмы Бориса Орлова). Вследствие такого сценического решения все городские события повестей отходят на второй план, присутствуют лишь в минимально визуализированных монологах-воспоминаниях героев или вообще остаются вне рамок спектакля. Скрещение сюжетных линий и одновременное присутствие на сцене героев обоих произведений способно запутать зрителей, не знакомых с бунинскими первоисточниками. Впрочем, последовательность и стройность сюжета в данной постановке — вещь второстепенная, главная цель здесь — создание и поддержание определенной атмосферы, о чем, впрочем, впрямую говорит само название спектакля. И эта цель достигается полностью: с первых секунд открытия занавеса зрителей окутывает волнующая аура летнего тепла, деревенского простора, здоровой молодой чувственности и радости жизни. Десять персонажей спектакля находятся в постоянном живом взаимодействии друг с другом — спектакль был заслуженно премирован жюри фестиваля за лучший актерский ансамбль.

В спектакле есть множество замечательных режиссерских и актерских находок, его отличает четко выверенный темпоритм, самобытный стиль и добрый юмор. Тем досаднее констатировать, что в нескольких моментах режиссеру вдруг резко изменяет чувство меры и вкуса. Так, например, явным перебором является демонстрация женских коленей, стертых докрасна, видимо, вследствие бурных любовных утех. Дурновкусным да к тому же и безграмотным в контексте изображаемой эпохи моментом является появление Старосты (Анатоль Фон-Филандра) перед деревенскими девками (Александра Сизоненко, Александра Эпштейн, Яна Коверник и Александра Мартакова) в красных семейных трусах — это выглядит как нелепый кивок поклонникам юмора а-ля «Камеди-клаб». По счастью, таких моментов в спектакле немного.

Еще одно субъективное замечание: лично мне показалось не очень удачным распределение актрис на роли Натали и Сони: исполняющая первую роль Надежда Тигипко внешне очень мила, но все же она не выглядит описанной у Бунина яркой победительной красавицей в сравнении с прелестной Дарьей Якушевой, талантливо, тонко и трепетно играющей ее более скромную в плане женской красоты соперницу. Опять-таки, мое субъективное мнение, но эта актерская работа — лучшая в спектакле.

В остальном же «Жара» оставила после себя приятное послевкусие и стала достойным завершением основной фестивальной программы.

Помимо основной, фестиваль порадовал и интересной программой камерных спектаклей малой формы. Основой для показанного в рамках этой программы спектакля Киевского экспериментального театра «Золотые ворота» легла все та же повесть И. Бунина: «Митина любовь. Дневник» — так молодой режиссер Влада Белозоренко назвала свой спектакль, в котором образ Мити воплощают два актера — обозначу их условно как Митя-рассказчик (до фестиваля в Днепродзержинске актер Дмитрий Олейник успел получит за эту работу одну из самых престижных театральных наград страны — премию «Киевская пектораль») и Митя-персонаж (актер Виталий Ажнов). Роль Кати, а точнее, все женские образы спектакля воплощает актриса Анастасия Салюта. Спектакль идет на украинском языке, но красота и гармония текста Бунина, к приятному удивлению, при этом сохраняется полностью. Спектакль получился живым и талантливым. Единственным дискуссионным моментом является идентификация по жанровому признаку: сами создатели называют свою работу «пластической драмой», однако пластика как таковая — не самый сильный элемент в спектакле, живое слово текстовых монологов Мити-рассказчика превалирует над ней, а визуальная часть носит, скорее, иллюстративный характер. Скорее, это вольная сценическая фантазия на бунинскую тему. В финале спектакля, в отличие от финала повести, дается надежда на то, что самоубийство Мити в последний момент не состоялось, что герой остался жив. И такая оптимистическая поправка в этом спектакле смотрится очень гармонично.

Любопытную по форме, но, мягко говоря, очень неоднозначную по исполнению работу на малой сцене фестиваля показала Независимая театральная лаборатория из города Черновцы, являющаяся международным проектом Австрии и Украины — театральный перформанс «Песок из урн», посвященный памяти Пауля Целана — немецкоязычного поэта трагической судьбы, родившегося в Румынии, прошедшего ужасы концлагерей Второй Мировой войны, добившегося успеха, и в итоге покончившего жизнь самоубийством. Действо, срежессированное худруком лаборатории Олегом Мельнийчуком, разыгрывают пять актеров — Иван Данилин, Алексей Григорчук, Игорь Константинюк, Инна Данилина и Яна Тараненко. Сюжетным стержнем спектакля являются факты биографии жизни поэта — от детства до гибели. В спектакле активно используется многочисленный реквизит — фонарики, веревки, детские игрушки, бумажные самолетики, воздушный змей, глобус, велосипед, еще много прочего разного — и в большом количестве книги. Именно способ использования книг в данном спектакле стал лично для меня главным фактором резкой негативной оценки. Изображая ту или иную сюжетную ситуацию, исполнители ходят по книгам, прыгают по книгам (заметьте, самым обычным, не бутафорским, — книгам, взятым из чьей-то личной или общественной библиотеки), швыряют их со сцены в зал, обливают их жидкостью (условным бензином), имитируя их сжигание фашистами... Если бы для подобных режиссерских идей были изготовлены условные бутафорские книги — данный прием еще можно было бы оправдать — но в варианте с реальными живыми (уж простите меня, филолога) книгами это производит резко отталкивающее эмоциональное впечатление, перекрывающие все достоинства этой постановки. Достоинства, безусловно, есть — но по названной причине позвольте мне передать право описывать их какому-нибудь другому критику, менее восприимчивому к намеренной порче книг во имя создания шоу.

И чтобы наконец завершить обзор этого богатого на события и эмоции недельного театрального праздника, давайте на секунду вернемся к началу — к перечню представленных на нем писателей-классиков. Троим из них Х Театральный фестиваль «Классика сегодня» был посвящен официально и приурочен к их юбилеям: в этом году исполняется 160 лет со дня рождения Ивана Франко, и по 145 со дня рождения Леси Украинки и Василя Стефаника. Спектакли по произведениям юбиляров были включены в программу Малой сцены, и один из них триумфально завершил эту линию фестиваля.

Моноспектакль по поэме Ивана Франко «Сурка» на фестиваль привез Запорожский академический театр молодежи (г. Запорожье, Украина). Поэма написана от лица бедной еврейской девушки, повествующей о своих многочисленных жизненных невзгодах и нелегком счастье материнства. Талантливая актриса Катерина Макоед органично и эмоционально доносит до зрителей содержание этой истории, перемежая текст поэмы исполнением народных еврейских и украинских песен (режиссура и музыкальное оформление спектакля — Наталья Вощилова). Однако, по сути происходящее на сцене в данном случае ближе к жанру литературно-музыкальной композиции, нежели к полноценному моноспектаклю. Очень скромная и малофункциональная — то есть необязательная сценография (художник Татьяна Власенко), использование избитых постановочных штампов, вроде общения с бутафорской куклой-младенцем, отсутствие оригинального режиссерского почерка — все это не позволяет отнести данную работу к большим удачам фестиваля.

Совсем иной случай представляют собой два моноспектакля по произведениям двух других юбиляров — «Белые бабочки, плетеные цепи…» по Василю Стефанику и «На поле крови» по поэме Леси Украинки. Эти работы сделала одна команда — Творческая мастерская «Театр у кошику» (с укр. — «Театр в корзинке») из города Львов, Украина. Режиссер обоих постановок — Ирина Волицкая-Зубко, исполнительница — заслуженная артистка Украины Лидия Данильчук. Спектакли абсолютно разные по рисунку, ритму и стилю исполнения. В первом случае это почти бессюжетное ассоциативно-эмоциональное и невероятно талантливое актерское шаманство (каюсь, но более точного определения увиденному подобрать не могу). Во втором — яркая образная оригинальная трактовка одного из самых известных произведений классической украинской поэзии — переосмысление истории предательства Иудой Христа. В первом спектакле для звукового оформления вообще не используется техническое оборудование: весь объем звуков и мелодий актриса воспроизводит вживую, с помощью собственного голоса и подвешенных над сценой на пяти веревках народных инструментах Карпатского региона, использует в качестве барабана планшет самой сцены, а в качестве ударных элементов — собственные колени. Во втором спектакле звучит авторская музыка композитора Ярослава Хомика. Это два совершенно разных по форме, но одинаково крепких по качеству, по-настоящему талантливых спектакля. Первый из них открывал программу фестивальной Малой сцены, второй закрывал ее. И по праву первенства конкурсная награда «Лучший спектакль Малой сцены» де-юре досталась работе, показанной ранее. Но де-факто это была заслуженная награда за обе постановки талантливому режиссеру Ирине Волицкой-Зубко и блестящей Лидии Данильчук, поистине неповторимой Актрисе с большой буквы.

Дни фестиваля пролетели быстро. Знакомства, встречи, общение, обмен информацией, обсуждения спектаклей, участие в интереснейшем мастер-классе по сценическому движению и сценическому этикету (его совместно провели упоминавшиеся выше замечательные педагоги Олег Роенко и Нелли Кубарева), карнавальные уличные шествия, площадные концерты... Праздник профессионализма, дружбы, добра и позитива — как в старые добрые времена. И все это в условиях нынешней, мягко говоря, не самой простой ситуации в стране. Низкий поклон организаторам этого события — директору фестиваля Маргарите Андреевне Кудиной и художественному руководителю Сергею Анатольевичу Чулкову. Они начали это нужное доброе дело 23 года назад и провели уже десять фестивалей «Классика сегодня». Они — настоящие герои, честно и самоотверженно служащие своей стране на ниве театрального искусства, действительно создающие в глазах мирового сообщества позитивный имидж Украины как мирного, культурного, цивилизованного, гостеприимного государства.

 

Фото предоставлены оргкомитетом фестиваля. Автор фото - Сергей Музыка

 


Фотогалерея


Комментарии

Отправить комментарий

Содержание этого поля является приватным и не предназначено к показу.
CAPTCHA
Мы не любим общаться с роботами. Пожалуйста, введите текст с картинки.

Новости

16 февраля 2015

Дорогие друзья!

К сожалению, непростое с точки зрения сегодняшней экономики время, так или иначе отозвавшееся во всем, коснулось и нас. Начиная с 2015 года журнал «Иные берега» будет выходить только в электронном виде.
Надеемся, что это не помешает вам следить за нашими публикациями с прежним интересом и вниманием. Конечно, всегда приятно взять в руки с любовью изданный журнал и слушать шелест страниц, но... молодые поколения уже настолько привыкли к электронному способу общения и получения информации, что, может быть, и многие из них станут такими же верными поклонниками «Иных берегов», какими стали за годы существования журнала представители старших поколений.
До встречи в виртуальной реальности!
 
Наталья Старосельская