"Соотечественники". режиссура: поиски, обретения, потери...

"Соотечественники". режиссура: поиски, обретения, потери...

Хорошо, что есть фестивали. И хорошо, что их в России много. Особенно хорошо, что у каждого из них есть свое творческое лицо. Свой образ, если хотите. Международный театральный фестиваль «Соотечественники» не меняет свою прописку в течение 7 лет и встречи на мордовской земле стали доброй культурной традицией, настоящим праздником искусства для театральных коллективов, приезжающих в Саранск и для зрителей города, которые теперь уже с нетерпением ждут наступления месяца под названием март. Потому, что март — это не только предощущение весны, но и предчувствие событий, встреч, следовательно – творческого обновления. Город, когда-то не отличавшийся репутацией «театрального», за эти 7 лет преобразился неузнаваемо. На каждом спектакле – переаншлаг. Устроителям приходится рассаживать зрителей, не успевших вовремя приобрести билет, на приставных стульях. Да что уж там говорить! Сам министр культуры Петр Тултаев не считает зазорным смотреть спектакль, сидя на приставном стуле! Жизнь и развитие фестивального дела волнуют его не на словах. Директор театра Сергей Игонькин вместе со своими администраторами — тоже каждый вечер в зрительном зале, в фойе, словом – со зрителем, который уже успел за эти годы сформировать свое отношение к театру, как искусству сиюминутного диалога – умов, сердец, эмоций. Поначалу фестиваль в городе Саранске был явлением модным. Престижно было попасть если и не на все спектакли фестивального репертуара, то хотя бы на часть из них. А после — с видом бывалого театрала рассказывать: о спектаклях, актерах, режиссерах и даже драматургах! О том, с кем удалось пообщаться за кулисами, с кем из режиссеров сфотографироваться.

 

«Соотечественники»

 Когда-то маленькая ладья, пустившаяся в плаванье по водам театрального искусства, фестиваль превратился в мощный корабль, которому теперь уже не страшны даже большие океанические воды! Пространство культурного взаимодействия расширяется, и под парусами фестиваля с радостью встречаются коллективы из самых отдаленных мест не только стран СНГ, но и дальнего зарубежья. И чем больше этих географических точек на карте мира, тем отчетливее видна картина жизни и развития современного театрального искусства. Театр – это зеркало страны, из которой он прибыл, зрителя, ради которого он, собственно, и живет. Театр, как ни один из видов искусств отражает уровень всех существующих в обществе проблем: экономических, политических, нравственных, психологических. Он еще и зеркало души творческой интеллигенции, стоящей сегодня перед проблемой: каким же все-таки должен быть театр XXI века? Развлекательным, воспитывающим, просветительским?

Свое видение современного театра, его эстетической и художественной платформы представили участники фестиваля с образным и очень емким названием – «Соотечественники».

 

Национальный Академический Драматический театр им.М.Горького (Минск, Беларусь). А.Курейчик «Пане Коханку», вымысел в 2-х действиях. Режиссер-постановщик Сергей Ковальчик

По воле постановщика Сергея Ковальчика и сценографа Аллы Сорокиной нам дано некое пространство, которое являет собой нечто фрагментарно выплывающее из воспоминаний, сидящего к нам спиной человека, который то ли читает дневники пана Кароля Станислава Радзивилла, то ли сам вносит туда какие-то записи-поправки. Но, так или иначе, именно этот персонаж и вводит нас в суть режиссерского концептуального взгляда на существующую вековую проблему самопределения: кто мы в цепи времен и событий? Зачем мы приходим в эту жизнь? Что такое – народ и что такое отдельно взятый человек в структуре меняющихся эпох? Что такое национальная гордость и достоинство и есть ли они вообще? А если и есть, то что это такое? Пан Радзивилл-Коханку в исполнении Ростислава Янковского — человек неукротимый, непредсказуемый, своевольный, вызывающе независимый и есть тот человек, который никого и ничего не боится: ни нищего польского короля, ни экономической нестабильности. Он – сам себе и своим делам хозяин. Поэтому ему, как веселая забава, и дороги солью летом засыпать, чтобы с ветерком барышень в санях катать, и крестьян в свои эксперименты с постройкой летательного аппарата вовлечь! Пан Коханку – несказанно богат. Так богат, что сам король Станислав Август Понятковский (Александр Суцковер) вынужден просить у Радзивилла денег взаймы. Но ему непонятны чудачества Кароля, бьющегося над расчетами подъемной силы крыла и неустанно возящегося с крестьянами, которые, по мнению пане Коханку, непременно должны взлететь на его летательных аппаратах и наконец-то понять, что же это такое – счастье полета? Полета, способного хоть ненадолго подарить иллюзию свободы от проблем, оставшихся внизу, на земле! Чудак Коханку так увлечен своими экспериментальными поисками, и так талантливо убедителен в своей, с точки зрения обычного обывателя, ненормальности, что обычные люди, люди бесталанные, умеющие жить осторожно, с оглядкой по сторонам – на его фоне выглядят странно. Они не хотят понять, что человек свободен только тогда, когда душа его способна оторваться от обыденных проблем и взлететь ввысь. Так же, как когда-то взлетал Икар, Кароль Станислав наивно полагает, что если найдется хотя бы один человек, который сможет преодолеть притяжение земли и взлетит хоть на несколько минут, то узнав радость свободного парения, уже не сможет жить по-прежнему. Не сможет быть рабом и трусом, который и живет, и дышит только потому, что кто-то ему это разрешает. Только потому, что так живут и дышат другие. Точнее – все, кроме пана Коханку. Но не хотят крестьяне летать, и не хотят свободы. Им и так хорошо. Зачем понятный и привычный уклад менять на что-то хоть и новое, но менее понятное? Лакеем быть гораздо безопаснее: выгодно и не хлопотно! Так что же, пришло время лакеев? Время, которое может не то, что заглушить тоненький голосок души народной, выливающейся в песнях Олеси (Вероника Пляшкевич) о залетной пташечке, но – рассеять по миру, лишив памяти о родовых корнях. Режиссер рассматривает личность в контексте исторического хода событий, как явление, которое не может быть по достоинству оценено современниками. Однако, в финале, после смерти Радзивилла-Коханку, когда один из его крестьян сам без посторонней помощи и распоряжения бежит, набирая скорость, чтобы взлететь, почувствовав свободу от всех условностей земной жизни, мы понимаем: выбор все-таки остается за каждым из нас. И то, как нам жить, и какими быть — решать каждому из нас. Театр Ковальчика – это метафорический, иносказательный театр, где за определенными сценическими символами возникает аллегория, рождающая особенности постановочного языка режиссера. Но Ковальчик так увлекается изобретением выразительной формы действия спектакля, что она начинает довлеть над содержанием, исподволь размывая его, уводя внимание зрителя от более важных моментов, чем форма…

 

Театр «Ибрус»(Баку, Азербайджан).Р.Ибрагимбеков «Он и они», репетиция в 2-х действиях. Режиссер-постановщик Рустам Ибрагимбеков

 «Ибрус» — театр авторский. Ему – 10 лет. И все эти годы руководитель его – Рустам Ибрагимбеков — выстраивает диалог со зрителем, не изменяя своей многолетней творческой позиции в искусстве. Поэтому самым важным предметом психологического исследования для него по-прежнему остается человек. С его нравственными взлетами и падениями, с меняющимися во времени ценностями, но неизменной человечностью и способностью к поиску: самого себя и той истины, которая становится основополагающей в его жизни. История провинциальных актеров, во все времена умевших сохранять, развивать все лучшее, ради чего собственно и был изобретен театр, как вид искусства,— не укладывается в рамки узконаправленного сюжета. Судьбы самих актеров, у которых нет даже имен собственных, а только определения – Он, Она, Актер, Подруга, — перекликаются с судьбами и жизненными обстоятельствами персонажей чеховской пьесы «Дядя Ваня». Отсутствие имен собственных – не обезличивает героев, но наоборот – усиливает элемент художественного обобщения, и мы понимаем: подобная история могла произойти в любом городе. Каким-то непостижимым образом Ибрагимбекову удается, сохраняя традиции и наработки театра русской психологической школы, привнести в процесс современного развития театра что-то свое. Возможно, это обусловлено тем, что режиссер переносит некоторые приемы работы с актерами из кино и поэтому так любит использовать в построении мизансцен крупные планы, но возможно, что такой прием продиктован условиями малой сцены. Как бы там ни было, мастеру удалось создать театр, который обращен к умам и сердцам зрителей, который, не теряя функций ради коих и создавался как вид искусства, умеет быть современным и актуальным, умеет держать волнующий диалог со своим зрителем. Поиски понятий нравственности современного человека, сталкивающегося с процессом активизировавшихся подмен и проблем, связанных с вытеснением нравственных законов, наработанных человечеством в течение веков – вот художественный принцип творчества авторского театра Рустама Ибрагимбекова. Театра, который своим творчеством возвращает Театр к его первоначальным истокам, когда Слово, брошенное в зал, ценилось превыше всего и не прикрывалось изобретательностью формы, но тем не менее достигало своей цели: умов, сердец, душ зрителей.

 

Киевский Академический театр драмы и комедии на левом берегу Днепра (Украина, Киев). А.Чехов«26 комнат», опыт прочтения комедии с одним выстрелом в 2-х действиях, сценическая композиция и постановка Эдуарда Митницкого по пьесе «Леший» и рассказам

Чеховская тема человеческого разобщения, одиночества, желания любви, стремление к ней, и какой-то духовной глухоты и слепоты, заставляющей героев жить мимо друг друга – прозвучала в спектакле киевлян достаточно жестко. Художник Олег Лунев заполняет пространство сцены «стволами» из черного технического тюля, создавая образ выжженного пространства. Мертвого пространства, где уже ни вырасти, ни родиться ничто не может. Образ этого леса все время на виду. С самого начала действия. Он все время с персонажами, которые не замечают выжженности, блуждая в ней, как между многочисленными стенами огромного дома, где все отдает гулкой пустотой, и нет никакой надежды на то, что чьи-то судьбы здесь когда-нибудь пересекутся, и кто-то в этом огромном доме станет наконец-то счастливым! Здесь, в этих 26 комнатах, все так увлечены поисками личного счастья, что нет никакой возможности увидеть или услышать других. Тех, кто рядом с ними. Каждый слышит только себя. Мучается и страдает только собственными переживаниями. И так, как будто у других даже права нет на такие же чувства! А ведь когда-то… Здесь ключом била жизнь, здесь любили, рожали детей… Когда же все пошло не так? Вся нынешняя жизнь персонажей проходит на фоне этих черных остовов и люди здесь всегда затянуты в темные одежды так, как будто им постоянно холодно и неуютно. В собственном доме. В собственном имении. Здесь утрачены — человеческое тепло и привлекательность. Видимо, это случилось тогда, когда произошло разъединение душ, умов, сердец. И каждый стал жить сам по себе. И тогда этот дом делается похожим на огромную страну, которая распалась на маленькие государства, как на маленькие комнаты, где уже давно никто никого не слышит, где каждый – сам по себе. Но каждый – в поисках счастья. И невольно вспомнился фильм Андрея Тарковского «Жертвоприношение». Там, в доме на ветру, жили герои в ожидании вселенской катастрофы и Александр все время искал способ спасти мир, а значит и жизнь, будущее своих детей. Но ядерные ракеты уже запущены, и Александр заключает пакт с Богом. Чтобы спасти мир от надвигающейся катастрофы – надо принести жертву: имущество, образ жизни или собственную жизнь. А здесь Михаил Хрущев — «помещик, кончивший курс в медицинском институте» — живет ради леса. Он, пожалуй, единственный, кто на протяжении всего действия пытается достучаться до каждого, рассказывая о тех экологических проблемах, которые сегодня не сходят с повестки дня общества «зеленых», но его вообще никто не слышит. Его не слышат даже тогда, когда в финале, он, прибегая в имение Серебрякова, трижды кричит о том, что лес горит. Реакции – никакой. Что же еще нужно принести в жертву, чтобы мы, наконец, услышали друг друга и стали просто жить, любя и радуясь жизни, а не выживать в поисках мифических приоритетов: национальных, политических, экономических… Концептуальный театр Митницкого — это жесткий и открытый диалог со зрителем, которому постановщик адресует массу вопросов. В том числе и вопрос о том, какую жизнь каждый из нас выбирает сегодня…

 

Государственный Русский драматический театр Республики Мордовия (г.Саранск).Ф.М.Достоевский«Дядюшкин сон», трагикомедия. Режиссер-постановщик засл.арт.Литовской ССР, засл.арт. России Вячеслав Гунин

Простая и очень современная история о том, как некая дама из провинциального городка стремится выдать свою дочь за богатого, но очень немолодого князя, стала для театра едва ли не бенефисным представлением двух актеров – нар.арт. РМ Сергея Адушкина (Князь К.) и Ирины Абросимовой (Марья Александровна Москалева). Замечательный актерский дуэт доставляет зрителю и партнерам немало приятных мгновений, радуя виртуозным профессионализмом в освоении характеров, подробностью человеческого существования персонажей в предлагаемых авторами – драматургом и режиссером — обстоятельствах. Но история князя, чья наивность, граничащая с глупостью, оборачивалась обезоруживающей доверчивостью, которая вызывала сочувствие к униженному достоинству, заставляя проливать слезы сострадания — здесь интерпретируется режиссером совсем иначе. Да, князь беззащитен в своей наивности, да, он бесхитростен и неприспособлен к жизни, не умеет распознать хитростей и уловок Марьи Александровны, не знает, как именно держать себя в свете, но он не вызывает сострадания. Это оттого, что сам он кажется человеком, немножко блефующим и всего лишь прикидывающимся неприспособленным. На самом же деле он – чудак, который находится в поисках своей мечты. А мечта эта не что иное, как идеальная женщина. В том ее воплощении, которого он не встречал ни разу. И вот теперь за хитросплетениями уловок и стратегических действий Марьи Александровны, мечтающей не столько дочь выгодно пристроить, сколько самой успеть пожить на широкую ногу и с удовольствием – он вдруг разглядел существо, которое, кажется, вполне соответствует его представлению об идеале женщины. Он, пожалуй, даже и жениться готов, несмотря на то, что его здесь хотели «облапошить» и даже не скрывают этого. Но! Пасторального финала не случилось. Потому что Марья Александровна не выглядит ни раскаявшейся, ни посрамленной. Она не собирается убирать свое оружие в ножны и непременно продолжит завоевания во имя роскошной жизни на склоне лет. Но может ли порицать ее действия общество, погрязшее в лицемерии, сплетнях и интригах? Общество, в котором подобный поведенческий стиль – норма? Режиссер, выстраивая диалог с залом, и, совершенно осознанно, перенося акцент своего исследования на женский образ Марии Александровны, не скрывает, что разговор идет о вполне современных нравах и современных людях, чьи нравственные ценности меняются в угоду веяниям времени. Циничный расчет становится нормой, поэтому так плотно в нашу жизнь входит фраза – «ничего личного – просто бизнес». И постепенно прежние ценности — дружба, любовь, преданность, верность — становятся разменной монетой. Нравственный театр Вячеслава Гунина, исследуя эту проблему, предостерегает своего зрителя: соблазну поддаться легко, гораздо сложнее противостоять ему.

 

Ж.Кокто «Человеческий голос», моноспектакль. Режиссер Вячеслав Гунин

Впервые сыгранная французской актрисой Берт Бови на сцене «Комеди франсез» в 1930 году, эта пьеса – монолог Ж.Кокто успешно и кажется навсегда вошла в репертуар многих театральных актрис мира. С тех пор театр одного актера не перестал быть актуальным, помогая выявлять наиболее драматические стороны дарования актеров. В данном случае – народной артистки МР Зинаиды Павловой. Монопьеса не предлог для эффектного выступления актрисы, это — серьезное исследование режиссера женской души, человеческого одиночества, погружения в пограничное состояние, связанное с выбором: жить без любви или умереть, не умея жить без нее? Монолог моно — это возможность актрисы не только сыграть то, чего ей не доводилось играть, но и раскрыться для зрителя новой гранью трагической актрисы. От авторской ремарки в художественном оформлении остались только полотнища красного цвета, обрамляющие пространство Женщины. Пространство любви. Любовь и кровь одного цвета. Сердце, истекающее болью потери-разлуки – очевидно, такого же кровавого цвета. Режиссер проводит актрису по всему пути мучительного ухода из мира живых, исследуя малейшее движение души ее героини. Это выразительно, эмоционально, убедительно. Но его собственное отношение к проблеме не прозвучало с достаточной степенью убедительности, чтобы исключать возникающие вопросы: почему же она все-таки должна умереть? Впрочем, финал он оставляет открытым, выводя актрису на авансцену в попытке взлететь над своими страданиями и судьбой. А зритель сам должен решить, куда она уходит: в запредельный мир или к людям, пытаясь руками, как крыльями, опереться на мир…

 

Э.Де Филиппо «Дети есть дети». Режиссер-постановщик засл. деят. искусств Мордовии, Лауреат Госпремии РМ Андрей Ермолин

После Софи Лорен и Марчелло Мастрояни, блистательно сыгравших в фильме Витторио де Сики Филумену Мартурано и Доменика Сориано, для театральных актеров всегда есть опасность оказаться в положении проигравших профессиональную схватку. В сценической версии Андрея Ермолина, лишенной жанрового определения, но переименованной в «Дети есть дети», именно это и произошло. Впрочем, схватки тоже не было. Исходя из названия спектакля, можно предположить, что предметом пристального исследования действительно станут дети синьоры Филумены и отношение к ним. Но пьеса написана так, что у детей не так уж и много текстового пространства для того, чтобы мы сумели насладиться их обществом. Но! Режиссура – предмет загадочный и в некоторой степени непредсказуемый: даже невозможное может стать возможным! Однако, этого не случилось. И режиссер, когда-то замечательно поставивший «Лес» Островского, в этот раз не прозвучал во всю силу своего профессионального голоса. Отношение героев – Филумены-З.Павловой и Доменика-Большакова были низведены до уровня банальных ссор и выяснений отношений. И смысл фразы, услышанной Филуменой во время молитвы от Мадонны «дети есть дети»,— которая и вынесена в заголовок, — пропадает в пылу их свар. Эти двое, сражаясь каждый за свое, о детях вообще не помнят! Вспоминают об их существовании только тогда, когда этого требует сюжет пьесы. В результате был показан спектакль, в котором артисты не мешали друг другу, но и не помогали. Они существовали каждый сам по себе. Поэтому получилась скучная иллюстрация пьесы, которая обычно разыгрывалась как мелодрама или драма с элементами мелодрамы. Впрочем, судя по названию – могла бы получиться и комедия. Синьору Эдуардо, как известно, было свойственно чувство юмора…

 

Театр «ZERO» (Тель-Авив, Израиль). Шолом Алейхем «Заколдованный портной», история одного безумия. Режиссер-постановщик Олег Родовильский

Историю бедного портного по имени Шолом-Эле Олег Родовильский (он же и исполнитель этой роли!) рассказывает со сцены в стиле игрового театра, действие которого насыщено сценическими символами и метафорами. То швейная машинка превратится в козу, то разноцветные огромные пуговки, собранные на резинку, запрыгают как непоседливые дети, то огромные катушки повиснут ожерельем многочисленной родни! Словом – забавно и весело разыгрывается история совсем не забавная, но наоборот – даже страшная по своей сути. Режиссер начинает действие с химерического сна портного. Внутри этого сна – химерические образы односельчан, знакомых и родственников. Вот они движутся вокруг героя по кругу, и он с ужасом видит их получеловеческие полукозьи лица. Они смыкаются вокруг него в круг, и он вдруг видит, что лица-то разные, а рука как будто одна. Это потому, что у персонажей нет на серых плащах рукавов. И получается, что руки без рукавов образуют совсем другой цветовой круг поверх серого цвета, который, сливаясь, создает ощущение некой единой серой массы. Пестрый цветовой круг как будто поддерживает головы химерических персонажей сна портного, и потому кажется ему еще более устрашающим. А сон и правда страшный! Химеры оборачиваются людьми, которые постепенно вовлекают героя в страшную историю об обмане, предательстве и подлоге, историю, которая чуть было не лишила героя разума. И каждый раз, когда Шолом-Эле не может совладать с химерами-перевертышами, на помощь ему приходит Она (Марина Белявцева). Как второе «я», как та часть сознания героя, которая, подобно спасательному кругу, удерживает портного на поверхности нормальной жизни, не позволяя ему окончательно лишиться рассудка. Театр Олега Родовильского — это интеллектуальный театр, театр сценической метафоры и символа. Театр, где существование актеров в действии обусловлено принципами не психологического театра, а игрового, где каждый исполнитель владеет приемами наработок Вахтангова, Брехта, Мейерхольда, Томаса Остермайера, своими собственными.

 

Московский драматический театр имени К.С.Станиславского (Россия). М.Булгаков «Мастер и Маргарита», театральная композиция В.Беляковича в 2-х действиях. Режиссер-постановщик нар.арт.России Валерий Белякови

Роман-мениппея «Мастер и Маргарита» всегда притягивал, притягивает и будет притягивать режиссеров, стремящихся к его сценическому воплощению. Но у романа, так же, как и у шекспировского «Макбета», репутация мистически воздействующего произведения. То, что Валерий Белякович не только осуществил постановку по собственной композиции (так указано в программке!), но еще и Воланда сыграл – интриговало, пробуждало интерес, рождало массу вопросов. А еще – он сам оформил сцену и придумал костюмы для всех персонажей! Белякович вообще человек талантливый: влюбленный в жизнь, театр, профессию, своих актеров. Наверное, именно любовь ко всему, что он делает, и рождает такие постановочные проекты как этот… В клубящемся дымом пространстве парят прямоугольные листы рукописи Мастера, а может быть – таблички Левия Матвея, в которые он вписывал все, о чем говорил Иешуа Га Ноцри. До поры немые, они оживают звонким гулом металла, выбрасывая на планшет сцены и бросая к рампе одного за другим персонажей, придуманных Мастером. Рукописи не горят! И стремительность булгаковской мениппеи – так же стремительно и завораживающе перетекает в мениппею Беляковича. И вот уже режиссер, вместе с персонажами-актерами, погружается в исследование философских, нравственных, социальных истин при фамильярном контакте с живой современностью, которая предлагает не только осетрину второй свежести по цене первой, но и завораживающее шоу на предмет халявного обогащения граждан крупными денежными купюрами! Смех и авантюрный сюжет — средства испытания и провоцирования высоких идей и остропроблемных ситуаций. Валерий Белякович – талантливый провокатор. Отсюда — смещение и смешение пространственных, временных и психологических сцен в спектакле, а также — сочетание сцен конкретно-бытовой предметности со сценами гротесковыми и фантастическими. Это создает стилистическую разноплановость в постановочном рисунке режиссера, приближая жанр литературной основы к сценическому. А это позволяет постановщику, сохранив дуалистичность образов основных героев (Иешуа-Воланд), анализируя жизнь граждан Москвы XX и XXI веков, вслед за мистическим автором Булгаковым задать вопрос: так ли уж разнятся меж собой люди, жившие и живущие в ней? Нет. Они просто сменили одежды. И осетрину второй свежести по-прежнему умудряются продавать гражданам по цене первой. Во время сеанса черной магии в Варьете, Воланд в беседе с Коровьевым (Фаготом) — в блистательном исполнении Филиппа Ситникова, — задается вопросом: изменились ли москвичи внутренне? Но, внимательно посмотрев в зал, как будто отсканировав в нем сидящих, Воланд-Белякович делает вывод: «Обыкновенные люди… В общем, напоминают прежних…». Истина о том, что рукописи все-таки не горят, ибо они – нетленны так же, как и высшие истины, а значит – вечны, как противоборство Добра и Зла, как соблазн поддаться пороку или противостоять ему – тема бесконечно волнующая режиссера и артиста Валерия Беляковича. Поэтому его театр живой: с бьющимся в унисон времени сердцем, наполненным энергией творчества пульсом, умением соответствовать интересам зала, не опуская свое искусство до уровня потребителей массовой культуры. Его театр – это честный театр. Без игр в поддавки, без заигрывания во имя интересов кассы. Театр Беляковича – это ярко выраженная позиция: творчество во имя искусства, служение ему без лишней суеты, но с благородным достоинством профессионалов…

 

Русский драматический театр имени В.Маяковского (Душанбе,Таджикистан). Б.Абдураззаков «Исповедь», сценическая композиция. Режиссер-постановщик Барзу Абдураззаков

Как долго горит свеча? 10 минут? 60? А как быстро сгорает человеческая жизнь? Женская — в особенности. Потому, что именно по ней в первую очередь бьют проблемы, выброшенные на поверхность жизни во времена перемен, смены эпох и формаций. В душанбинском театре, где на протяжении часа с небольшим — времени пока горит свеча, как светильник женской души, 7 женских историй-судеб становятся зеркалом современной жизни, быстротечного времени, социальных и человеческих взаимоотношений в социуме, которое, шагнув в XXI век, ищет путь к современному самовыражению. У каждой из семерых – своя судьба, своя любовная история. А за ними – еще одна проблема, о которой так усиленно говорит мировое сообщество – гендерная. Какое место и где оно у женщины нового века? Как складываются ее взаимоотношения с миром мужчин, которые представлены в спектакле образом Мима: без конкретного, но вполне узнаваемого лица. Ибо он пластически комментирует каждую из 7 историй-судеб, не скрывая своего отношения к каждой. А оно, это отношение, не выражает готовности всегда и во всем быть опорой, защитой, надеждой… Словом, всего того, что и делает мужчину в женских глазах мужчиной. Оно не выражает ничего кроме готовности оставаться сторонним наблюдателем, который, глядя со стороны, может и взгрустнуть, и умилиться, но не более чем… Это не ему исповедуют женщины свою непереносимую боль, не ему рассказывают свои житейские драмы, а… пространству, которое мы именуем Бог. Ибо только Он и способен облегчить страдания и боль. Абдураззаков, лишая своих героинь имен собственных, проблему Женщины — поднимает до уровня существующих проблем мирового масштаба . Театр Барзу Абдураззакова – это театр нравственных поисков, театр, не желающий идти по пути подмен, превращая театральное искусство в угоду кассовых его интересов, в предприятие с развлекающими функциями. Он не боится прозвучать архаично или быть не понятым. Потому что нравственные трансформации, происходящие во всем мировом сообществе, заставляют не задуматься, а не забывать, что женщина – это краеугольный камень общества: она дарует жизнь и формирует взгляд на нее. От женщины-матери многое зависит в том, каким наш общий мир, наш общий дом будет завтра.

 

Итоги

Флаги государств участников 7 МТФ «Соотечественники», с 15 по 22 марта украшавшие фасад театрального здания, ежевечерне напоминали зрителям, идущим в театральный зал, что в этом году они смогли увидеть творчество театров из Азербайджана, Беларуси, Израиля, России, Украины, Таджикистана. И не просто увидеть, но понять, что театр, в основе которого лежит школа русского психологического театра, не утратил своих корней. Напротив. Эта связь упрочена в течение времен. Суть театра остается той же. Форма, связанная со стилистикой режиссерской подачи материала зрителю, тоже не оторвалась от тех режиссерских наработок театра советского периода, которые мы россыпью увидели в спектаклях белорусского театра, израильского, украинского. Каждый из представителей этих стран ищет свой язык общения со своим зрителем, понимая, что сегодняшний театр не должен быть скучным. Понимая, что театр должен оставаться живым, эмоционально и интеллектуально привлекательным и интересным, а значит — воздействующим. И самое главное. У каждого из театров – свой ареал обитания. Среда, которая хочет того театр или нет, выдвигает свои требования на потребление этого вида искусства. Задача — соответствовать этим запросам, но, не уступая позиций большого искусства. А значит – надо изобретать особый язык общения. Язык, который не будет выхолащивать умы и сердца пустопорожними развлекательными однодневками, уничтожая в таком случае смысл жизни искусства, но будет воспитывать, просвещать – развлекая: легко, ненавязчиво, красиво. Ничего нового в этом нет. Об этом когда-то говорили и столпы театрального искусства, и советские идеологи, и эксперты театрального процесса постперестроечного периода. Потому что Театр, как и люди, тоже проходит свои стадии и развития, и кризисов, и экспериментальных попыток в поисках новых форм. Он ищет обновления. Однако, в поисках мифической новизны, мы иногда выпускаем из виду, что колесо, именуемое «театр», изобретено еще в доаристотелевский период. И нельзя заставить его вращаться так, как оно до этого не вращалось. Но вращать его с той частотой вибрации, которая необходима данному конкретному театральному ареалу – можно. Так, как это делают Валерий Белякович, Рустам Ибрагимбеков, Барзу Абдураззаков… В завершении хочется повторить еще раз: как хорошо, что есть фестивали! И добавить: как хорошо, что есть люди, которые готовы их проводить, развивать, совершенствовать. И как здорово, что они не боятся трудностей на этом пути. Ведь для того, чтобы праздник театрального искусства состоялся — пройдет не один день кропотливого, эмоционально изматывающего труда, не одна бессонная ночь. Пошли им, Господи, света, здоровья и добра, ибо делают они нужное, важное и благородное дело…

 


Фотогалерея


Комментарии

Отправить комментарий

Содержание этого поля является приватным и не предназначено к показу.
CAPTCHA
Мы не любим общаться с роботами. Пожалуйста, введите текст с картинки.

Новости

16 февраля 2015

Дорогие друзья!

К сожалению, непростое с точки зрения сегодняшней экономики время, так или иначе отозвавшееся во всем, коснулось и нас. Начиная с 2015 года журнал «Иные берега» будет выходить только в электронном виде.
Надеемся, что это не помешает вам следить за нашими публикациями с прежним интересом и вниманием. Конечно, всегда приятно взять в руки с любовью изданный журнал и слушать шелест страниц, но... молодые поколения уже настолько привыкли к электронному способу общения и получения информации, что, может быть, и многие из них станут такими же верными поклонниками «Иных берегов», какими стали за годы существования журнала представители старших поколений.
До встречи в виртуальной реальности!
 
Наталья Старосельская
24 октября 2012

Дорогие друзья!

Приносим свои извинения в связи с задержкой публикаций на сайте в связи с техническим сбоем.

Мы делаем всё возможное!

15 марта 2010

15 марта пришла весть горькая и страшная — не стало Татьяны Владимировны Загорской, изумительного художника-дизайнера, отличавшегося безукоризненным вкусом, любовью к своему делу, высоким профессионализмом.

На протяжении долгих лет Татьяна Владимировна делала журнал «Страстной бульвар, 10» и делала его с таким пониманием, с таким тонким знанием специфики этого издания, с такой щедрой изобретательностью, что номер от номера становился все более строгим, изящным, привлекательным.

В сентябре 2009 года Татьяна Владимировна перенесла тяжелую операцию и вынуждена была отказаться от работы над «Страстным бульваром», но у нее оставалось еще ее любимое детище — журнал «Иные берега», который она придумала от первой до последней страницы и наполнила его своей высокой культурой, своим щедрым и светлым даром. Каждый читатель журнала отмечал его неповторимое художественное содержание, его стиль и изысканность.

Без Татьяны Владимировны очень трудно представить себе нашу работу, она навсегда останется не только в наших сердцах, но и на страницах журнала, который Татьяна Загорская делала до последнего дня с любовью и надеждой на то, что впереди у нас общее и большое будущее...

Вечная ей память и наша любовь!

25 декабря 2009

Дорогие друзья!
С наступающим Новым Годом и Рождеством!
Позвольте пожелать вам, мои дорогие коллеги, здоровья и благополучия! Радости, которое всегда приносит вдохновенное творчество!
Мы сильны, потому что мы вместе, потому что наше театральное товарищество основано на вере друг в друга. Давайте никогда не терять этой веры, веры в себя и в свое будущее.
Для всех нас наступающий 2010 год — это год особенный, это год А. П. Чехова. И, как говорила чеховская героиня, мы будем жить, будем много трудиться, и мы будем счастливы в своем служении Театру, нашему прекрасному Союзу.
Будьте счастливы, мои родные, с Новым Годом!
Искренне Ваш, Александр Калягин

***
Праздничный бонус:
Новый год в картинке
Главные проекты-2010 в картинке
Сборник Юбилеи-2010 в формате PDF

27 октября 2008

Дорогие друзья, теперь на нашем сайте опубликованы все номера журнала!
К сожалению, архивные выпуски доступны только в формате PDF. Но мы
надеемся, что этот факт не умалит в ваших глазах ценности самих
текстов. Ссылку на PDF-файл вы найдете в Слове редактора, предваряющем
каждый номер. Приятного и полезного вам чтения!